Le nouvel ensemble d'oeuvres de Gilbert & George, les Jack Freak Pictures, est le plus important à ce jour. Gilbert & George continuent à y dépeindre l'existence de l'homme moderne archétypal dans son environnement urbain et représentent cette existence autant dans ses aspects basiques que profonds. Ces oeuvres s'articulent autour du fameux motif rouge, blanc et bleu du drapeau britannique, ou Union Jack. On peut imaginer que le titre Jack Freak renvoie éventuellement à cette vie de dingue (freak) que mène l'homme moderne, à la merci des aléas du monde contemporain, tout en évoquant un amalgame progressif des notions d'identité nationale et personnelle. La signification du drapeau, symbole du Royaume-Uni, s'inverse quand on lui accole le mot freak sousentendant habituellement un genre d'ostracisme social.

Pour la première fois dans le monde, un musée présente ses collections au féminin. Cette nouvelle présentation des collections du Centre Pompidou est entièrement consacrée aux artistes-femmes du XXème siècle à nos jours. Après Big Bang en 2005 et le Mouvement des Images en 2006-2007, elles@centrepompidou est la troisième présentation thématique des collections du Centre Pompidou. C'est l'occasion pour l'institution, qui a su constituer la première collection européenne d'art moderne et contemporain, d'affirmer son engagement auprès des artistes-femmes, toutes nationalités et disciplines confondues, de remettre les créatrices au centre de l'histoire de l'art moderne et contemporain du XXe et du XXIe siècles. Des figures emblématiques telles Sonia Delaunay, Frida Kahlo, Dorothea Tanning, Joan Mitchell, Maria-Elena Vieira da Silva voisinent avec les grandes créatrices contemporaines, parmi lesquelles Sophie Calle, Annette Messager, Louise Bourgeois ont fait l'objet d'expositions monographiques récentes au Centre Pompidou. Pluridisciplinaire, la programmation permet d'approfondir les domaines culturels que les femmes ont investis depuis un siècle, aussi bien dans la littérature que dans l'histoire de la pensée, de la danse ou encore du cinéma.

‘Le peuple, les ouvriers, les personnes âgées, tous ces gens que je vois avec de la sympathie et de l'affection. Ce sont ces gens qui se sont battus avec les affres de la vie et qui laissent apparaître la frustration et le dur labeur. Il s'agit de l'activité humaine, la vérité et nous en arrivons tous là.' Voici comment Duane Hanson, artiste phare du mouvement ‘hyperréaliste', qualifie son travail. Dès les années 60, Il traite des thématiques universelles comme la pauvreté, la maltraitance, le racisme, les sans-domicile-fixe ou la solitude. Duane Hanson crée ses personnages grandeur nature dans son atelier en effectuant directement des moulages sur ses modèles vivants. Il privilégie la fibre de verre et la résine qui permet de reproduire, souvent de manière peu flatteuse, les moindres détails et finesses du corps humain. Il donne vie à ses personnages avec une crédibilité nouvelle. Il réussit parfois à créer l'illusion de la réalité. En représentant l'American Way of Life', Duane Hanson transporte des scènes de la vie quotidienne banale ou provocante dans des institutions et des musées, afin de les immortaliser.

Bernard Lamarche-Vadel était une personnalité unique dans le milieu de l'art en France. Un critique flamboyant qui a fait preuve de grande conviction et d'un refus du 'bon goût', il réussi à aliéner la plupart des institutions culturelles de la capitale tout en construisant des relations fortes avec les artistes qu'il soutiendra. La liste est longue: Arman, Martin Barré, Lewis Baltz, Joseph Beuys, Helmut Newton, Bettina Rheims et Richard Serra parmi beaucoup d'autres, et fait preuve d'un grand éclectisme. Un écrivain avant tout, les textes de Lamarche-Vadel ponctuent chacune des huit parties de cette exposition et révèlent ses obsessions avec la nature et la mort. Avec plus de 250 oeuvres (peintures, sculptures, installations et photographies) par une centaine d'artistes, Dans l'oeil du critique est un rappel posthume de l'impact de Lamarche-Vadel sur l'établissement artistique des années 70 et 80. MF

Sur les ondes courtes de nos radios, des voix égrènent des suites ininterrompues de nombres. 2... 11... 58... 35... 23...Instructions codées à destination d'agents dormants, messages échangés entre trafiquants ou simples réglages téléphoniques, les « Spy Numbers Stations » émettent depuis plusieurs décennies sans que leur fonction exacte soit encore connue. Après Gakona, inspirée des travaux de Nikola Tesla, Spy Numbers, deuxième session de l'année 2009, poursuit l'exploration du spectre électromagnétique et de ses marges. Au delà du visible, toujours plus proche de l'infra-mince et du spectral, le Palais de Tokyo expérimente des formes d'art qui échappent à toutes velléités d'interprétations figées. Malgré une surface d'exposition réduite de moitié pour cause de travaux dans les espaces du Palais de Tokyo, Spy Numbers réunit des artistes passionnés par l'encodage mathématique, la production d'aurores boréales, l'archivage de lentilles de contact, les capteurs sismiques, la disparition des pendus et les sommets de montagne.

Hip Japanese online mag SHIFT presents this cutting-edge digital film festival aiming to discover new talent and provide them with an opportunity to show their work. The organisers are increasing the international scope of the festival by inviting guest creators, active on the front lines of the creative world, to participate as judges, including: Ian Anderson / The Designers Republic; Motion Theory; Yoshi Sodeoka, C505; Jiro Ohashi/ Salmagazine.org; Sugarcube; Feed Deutschland. Submitted works will be screened at a selection of international venues from Nov, and the tour schedule will be announced here. Entry is free and deadline is 10 Sep. Get cracking.

Quand on entre dans le Musée Maillol, passant devant un bronze élégant de Rodin, les peintures de George Condo sont une surprise troublante. Condo se nourrit de (et parfois cannibalise) plusieurs siècles de tradition artistique européene, de la sculpture grecque classique jusqu'a Picasso et Bacon qui sont de fortes influences sur ses dernieres oeuvres. Un contemporain de Jean-Michel Basquiat et de Keith Haring, Condo digère et perverti ses influences multiples dans un mondre macabre et comique du subconscient ou rien n'est sacré: cardinaux et ducs se mélangent avec les renégat et les désaxés. A mi-chemin entre la beauté classique et la caricature grotesque, les derniers travaux de Condo sont la preuve du 'triomphe de la folie'. MF

Trauma (2000) et Secrets and Lies (2009), deux vidéos de l'artiste britannique, présentent une série de portraits face caméra, sur le mode de la confession. Secrets and Lies est une nouvelle version de l'oeuvre de 1994 intitulée Confess All On Video. Wearing pousse ici à leur extrême des stratégies d'exhibition de soi, mais nos pulsions voyeuristes sont déjouées par le recours au masque et par l'ambiguïté inhérente aux images et à la parole. L'artiste déconstruit et révèle ainsi toute la complexité des notions d'identité et de représentation. À l'ère de l'image tous azimuts et de la télé-réalité, Wearing nous amène à nous interroger sur l'idée même de portrait. Elle nous met face à nous-mêmes, face à nos propres désirs et à nos propres craintes.

Quand Calder arrive à Paris en 1926, à l'âge de 27 ans, il est peintre, illustrateur. Au moment de son retouraux États-Unis en 1933, il est devenu une figure emblématique du «drawingin space», l'un des plus grands sculpteurs du XXesiècle. Ingénieur de formation, Calder a inventé l'une des formes les plus neuves et les plus audacieuses de la sculpture du XXesiècle: le mobile, baptisé ainsi par Marcel Duchamp. Combinant monumentalité et légèreté, ludisme et abstraction, ces totems géants sont devenus, pour le plus grand nombre, des symboles de l'art moderne. L'exposition 'Calder, les années parisiennes, 1926-1933' illustre la période durant laquelle Calder découvre son vocabulaire artistique personnel. Au-delà de la présentation de pièces exceptionnelles, l'exposition donnera à voir la dynamique des œuvres que le concepteur des mobiles élaborait selon une esthétique du mouvement et de l'équilibre et que la fragilité des mécanismes comme la disparition de leur créateur condamnent à l'immobilité. Ainsi, les œuvres seront-elles confrontées à des films comme celui de Jean Painlevé, ou à des photographies comme celles de Brassaï qui les représentent actionnées par Calder lui-même.

En 1962, Andy Warhol peint les portraits de Marilyn Monroe, de sa rivale Liz Taylor, réinterprète La Joconde et Elvis Presley. A partir de 1967 et jusqu'à sa mort en 1987, il réalise, sur commande, les portraits de dizaines de personnalités diverses, célèbres ou inconnues, offrant à un monde fasciné par les apparences un miroir flatteur et vertigineux. Il remettait ainsi à l'honneur un genre négligé, en y appliquant de nouveaux codes qui marqueront très profondément l'histoire du portrait. Une sélection de cent trente œuvres parmi le millier de portraits qu'il a peint depuis le début des années soixante est ici présentée selon différents thèmes articulés à des moments essentiels de l'œuvre warholien : les Autoportraits, les Screen Tests, Mao, les Dollars, les Catastrophes, la Dernière Cène..., et qui permettent de les replacer dans une vision rétrospective de sa production.